Santi, poeti, navigatori e sapientoni: l’Italia dove tutti capiscono di tutto... meno che di musica

Nel Paese in cui creare una playlist basta per sentirsi critici musicali e tre accordi autorizzano una masterclass, la competenza sembra diventata quasi un fastidio. Fuori dai nostri confini, invece, musicisti, produttori e manager raccontano la musica partendo da un dettaglio rivoluzionario: averla studiata davvero.

L'Italia, secondo la vecchia liturgia patriottica, sarebbe una terra di santi, poeti, navigatori ed eroi. Possiamo aggiornare tranquillamente l'elenco aggiungendo cuochi, commissari tecnici, epidemiologi, costituzionalisti e, soprattutto, esperti di musica. Questi ultimi hanno una caratteristica che li distingue: spesso non hanno alcun bisogno di conoscere la materna per parlarne diffusamente.

Basta un canale YouTube, un microfono vagamente professionale, una libreria alle spalle e magari una chitarra appesa al muro — possibilmente una Fender, perché fa curriculum anche spenta — ed ecco materializzarsi l'autorità. Beatles? Sopravvalutati. Prog? Troppo lungo. Jazz? Una roba complicata. Autotune? Il male assoluto, anche se non si sa bene cosa faccia. Battisti? Genio, a dispetto di Mogol. Vasco? Poeta rock. E dopo cinque minuti siamo già pronti per spiegare a Quincy Jones dove sbagliava gli arrangiamenti.

Il problema non è avere opinioni. Quelle sono gratuite e, nonostante la Meloni, ancora esenti da IVA. Il problema nasce quando il gusto personale viene scambiato per conoscenza, come se dire “a me piace” equivalesse a sapere perché un brano funziona, com'è costruito, da quale tradizione deriva e quali rivoluzioni tecniche o armoniche contiene.

All'estero parlano quelli che sanno qualcosa

È qui che il confronto diventa leggermente imbarazzante. Basta uscire dalla nostra confortante provincia digitale per incontrare divulgatori come l'imperdibile Rick Beato, capace di discutere con Pat Metheny o Brian May entrando davvero dentro armonie, arrangiamenti, produzione e scrittura. Oppure Dave Pensado, produttore e mixer premiato con un Grammy, che per anni ha trasformato tecniche da studio normalmente incomprensibili ai non addetti ai lavori in materiale divulgativo. Ci sono poi podcast come One Song, dove una canzone viene letteralmente smontata nelle sue singole tracce per capire perché proprio quel basso, quella batteria o quella voce abbiano prodotto un'emozione. E c'è pure Simon Napier-Bell, manager passato attraverso Yardbirds, Marc Bolan e Wham!, che quando racconta il music business può permettersi il lusso di averlo frequentato per sessant'anni.

La differenza non è che gli stranieri siano geneticamente più intelligenti. È molto più banale: prima studiano, poi parlano. Noi, spesso, abbiamo invertito le due operazioni.

La musica non è una compilation di ricordi

C'è poi un altro piccolo equivoco nazionale. In Italia la musica viene frequentemente trattata come una gigantesca autobiografia collettiva: “questa canzone mi ricorda il liceo”, “quest'altra la mettevamo al mare”, “con questa ho dato il primo bacio”. Tutto meraviglioso, ma è memoria sentimentale, non critica musicale.

Capire la popular music significa conoscere almeno un po' di blues, gospel, soul, jazz, rhythm and blues, rock'n'roll, elettronica; comprendere cosa abbiano significato culturalmente gli Stati Uniti e la Gran Bretagna nella costruzione del linguaggio musicale del Novecento. E significa inevitabilmente conoscere l'inglese, perché una parte enorme della documentazione, delle interviste, della manualistica e delle fonti nasce in quella lingua. È anche il suggerimento centrale proposto da The Elysian Lovers: per comprendere davvero la musica angloamericana dalla quale deriva gran parte del pop italiano degli ultimi decenni, affidarsi alle fonti internazionali può essere molto più utile che chiudersi nel nostro piccolo circuito autoreferenziale.

Da noi, invece, può capitare che uno conosca perfettamente la classifica di Sanremo del 1987 e non sappia chi sia Brian Eno. Che discuta per quaranta minuti della voce di un cantante ignorando cosa sia una progressione armonica. Che definisca “capolavoro” qualsiasi disco pubblicato quando aveva diciassette anni e “rumore” tutto ciò che è arrivato dopo i suoi trenta.

È la critica musicale, baby... trasformata in anagrafe.

Santi, poeti e navigatori. Ma il groove?

Naturalmente esistono anche in Italia musicisti, giornalisti, produttori e divulgatori preparatissimi. Il punto è un altro: la competenza musicale, nel dibattito pubblico, non sembra più un requisito indispensabile. Conta maggiormente la capacità di stare davanti a una telecamera, avere una community, pronunciare giudizi assoluti possibilmente entro trenta secondi.

E così continuiamo serenamente a considerarci un popolo musicale perché abbiamo inventato l'opera, abbiamo avuto Verdi, Puccini, Mina, Battisti, Morricone e qualche decina di altri giganti. Più o meno come sostenere di essere tutti grandi pittori perché Giotto era nato da queste parti.

Forse sulla famosa iscrizione bisognerebbe dunque intervenire. Italiani: santi, poeti, navigatori, eroi e conoscitori di musica. L'ultima categoria, però, scriviamola a matita.

Non ci sono più i "tormentoni" estivi: siamo passati dai Beach Boys al reggaeton da supermercato

C’è stato un tempo - chi ha i capelli sale & pepe come me se lo ricorda - in cui l’estate aveva una sua precisa colonna sonora. Oggi ha un algoritmo. La differenza non è esattamente trascurabile. Negli anni Sessanta potevi andare al mare con Sapore di sale di Gino Paoli, che era sì una canzone estiva, ma conteneva malinconia, desiderio, sensualità e persino qualche accordo che non sembrava scelto da un’intelligenza artificiale dopo aver analizzato le preferenze dei clienti di un villaggio turistico. Potevi imbatterti in Azzurro di Adriano Celentano, scritta dall'avvocato Conte, oppure ascoltare Battisti trasformare tre minuti di orologio in qualcosa che ancora oggi possiede una misteriosa capacità di sopravvivenza, anche senza necessariamente apprezzare i testi dell'allora sodale Mogol.

All’estero andava persino peggio, almeno per chi oggi deve tentare il confronto. I Beach Boys confezionavano canzoni apparentemente solari dietro le quali Brian Wilson nascondeva armonie vocali da laboratorio rinascimentale. I Beatles riuscivano a essere popolari senza considerare il pubblico un insieme di deficienti. I Kinks potevano raccontare l’estate con Sunny Afternoon, facendo contemporaneamente pop, ironia sociale e meraviglia melodica.

Insomma, il tormentone esisteva già. Solo che era anche bella musica.

Ai tempi nei quali il disimpegno possedeva una melodia

Negli anni Settanta l’estate poteva avere il passo della disco, ma dietro quattro quarti apparentemente elementari c’erano musicisti che sapevano suonare. Gli Chic di Nile Rodgers costruivano architetture ritmiche sulle quali ancora oggi campano, direttamente o indirettamente, intere generazioni di produttori. I Fleetwood Mac riuscivano a vendere milioni di dischi senza rinunciare a scrittura, arrangiamenti e personalità. Mentre David Bowie poteva essere sofisticato e popolare contemporaneamente, concetto che oggi sembra quasi sovversivo. Canzoni a volte leggere, leggerissime, persino sciocche. Ma con una precisa identità.

Poi arrivarono gli anni Ottanta, il decennio che oggi viene saccheggiato senza pietà da chiunque possieda un sintetizzatore e un account Spotify. E anche lì il famigerato tormentone poteva chiamarsi Vamos a la playa dei Righeira: apparentemente una filastrocca da spiaggia, in realtà un allegro balletto post-atomico. Altro che “baby, stanotte facciamo tardi” ripetuto diciassette volte sopra una base prefabbricata.

Dalle acrobazie vocali agli sculettamenti da talent

E poi, come non citare Giuni Russo? Una voce capace di acrobazie che oggi probabilmente provocherebbero una riunione d’emergenza in una major: estensione vertiginosa, tecnica, follia, ironia, sperimentazione. Poteva cantare Un’estate al mare e trasformare persino l’imitazione di un gabbiano in un esercizio di virtuosismo, perché dietro l’apparente leggerezza c’era una cantante vera, di quelle che prima imparavano a usare la voce e solo dopo, eventualmente, pensavano al resto. Confrontarla con certa produzione estiva contemporanea è quasi sleale. Oggi il percorso sembra talvolta rovesciato: passaggio nel talent, immagine accuratamente confezionata, promozione social, qualche sculettamento strategico, consacrazione a sex symbol nazionale e infine la canzone da far transitare a Sanremo, purché non intralci troppo il resto. Badate, non è moralismo gratuito: ognuno utilizzi pure glutei, addominali e coreografie come meglio crede. Il problema nasce quando la confezione diventa più importante del contenuto e l’industria pretende persino di convincerci che siano la stessa cosa. Giuni Russo poteva stare immobile davanti a un microfono e riempire lo spazio con una nota. Oggi, per riempire tre minuti, a volte serve un intero corpo di ballo.

Esterofilia di qualità

Gli Wham! potevano produrre pop da spiaggia con una qualità melodica oggi quasi imbarazzante. Don Henley scriveva The Boys of Summer, una canzone estiva che parlava proprio della fine dell’estate, del tempo perduto e della memoria. I Police, i Talking Heads, persino i Clash riuscivano a entrare nelle classifiche senza dare l’impressione di aver compilato un modulo ministeriale per ottenere il requisito della radiofonicità.

Dal tormentone al muzak con mojito

Poi qualcosa si è rotto. Non la musica, naturalmente. Nel mondo continuano a esistere artisti magnifici, gruppi straordinari, jazzisti, rocker, cantautori, musicisti elettronici e ragazzi che registrano dischi meravigliosi nelle proprie camere. È finita, semmai, la musica popolare industriale come luogo nel quale qualità e successo potevano occasionalmente incontrarsi. Le grandi case discografiche — o quello che ne rimane dopo fusioni, acquisizioni e trasformazioni in gigantesche società di gestione dei cataloghi — sembrano aver sviluppato una particolare ossessione per la canzone che non deve lasciare traccia.

Oggi il tormentone nasce con le stesse logiche di un prodotto alimentare. Durata ridotta. Intro possibilmente abolita. Ritornello entro pochi secondi. Base ritmica riconoscibile. Frase elementare adatta a diventare didascalia social. Eventuale duetto tra cantante pop, rapper e ospite latino, perché evidentemente l’estate, dal 2015 in poi, è diventata costituzionalmente incapace di esistere senza una spruzzata di reggaeton.

Il risultato non è necessariamente brutto. Peggio... è tremendamente innocuo. Trattasi di muzak contemporaneo, per accompagnare l’aperitivo, il reel, la palestra, il supermercato, il viaggio in automobile. Non chiede attenzione perché l’attenzione potrebbe diventare pericolosa.

Una volta ascoltavi una canzone e magari ti domandavi: Che cos’è questa roba? Oggi l’obiettivo sembra essere esattamente opposto: fare in modo che nessuno se lo domandi.

Quando una canzone restava attaccata alla vita

Il problema non è la nostalgia. Anche negli anni Sessanta, Settanta e Ottanta uscivano sul mercato brutte canzoni. Soltanto che il tempo, galantuomo e critico musicale molto più severo delle playlist editoriali, le ha giustamente relegate all'oblio. Ma accanto alla spazzatura si palesavano brani capaci di trasformarsi in persistente memoria collettiva. Sentivi quattro note e immediatamente ricordavi una spiaggia, uno sguardo di ragazza, una macchina, un viaggio, un amore.

Oggi molti tormentoni sembrano avere una data di scadenza incorporata: giugno, luglio, agosto e raccolta differenziata a settembre.

La differenza fondamentale è questa. La musica estiva non è diventata peggiore perché noi siamo diventati irrimediabilmente vecchi. È diventato peggiore il meccanismo industriale che pretende di stabilire preventivamente che cosa dovremmo canticchiare. E così continuiamo a chiamare “tormentone” qualcosa che tormenta pochissimo.

Passa. Funziona. Macina streaming. Accompagna milioni di video e poi scompare. Forse è questo il vero capolavoro dell’industria musicale contemporanea: essere riuscita a trasformare persino la canzone dell’estate in un prodotto usa e getta.

Una volta finiva agosto e una canzone restava. Adesso, molto spesso, finisce agosto. E, finalmente, smette anche la canzone.

Bergamo va a caccia dello “Snark”: quattro giorni di documentari rari e gratuiti

Dal 10 al 13 settembre al Cineteatro Lottagono torna Snark Festival, con otto documentari internazionali in lingua originale sottotitolati, impreziositi da incontri con studiosi e giornalisti ad ingresso libero. Bergamo torna quindi a caccia dello “snark”, creatura imprendibile presa in prestito da Lewis Carroll e diventata simbolo di un festival che cerca film altrettanto sfuggenti: grandi documentari, spesso celebrati ma difficili da trovare. Questa terza edizione, organizzata dall’associazione culturale Essi Vivono, consta di otto titoli per un viaggio tra India, Stati Uniti, Inghilterra, Canada, Iran e Italia.

Dagli operai americani a Makhmalbaf

Tra i titoli più attesi c’è The Wobblies di Stewart Bird e Deborah Shaffer, storia orale degli Industrial Workers of the World, storico sindacato statunitense. Con Salam Cinema, invece, Mohsen Makhmalbaf trasforma nel 1995 un casting affollatissimo in un esperimento sul cinema e sul desiderio di apparire.

In programma anche Marjoe, Oscar 1972 al miglior documentario, ritratto del predicatore evangelista Marjoe Gortner, capace di conquistare migliaia di fedeli prima di svelare i propri trucchi. Sul fronte italiano torna D’amore si vive di Silvano Agosti, viaggio nell’Italia degli anni Ottanta attraverso confessioni su amore, tenerezza e sessualità.

Film da vedere e da discutere

Ogni proiezione sarà accompagnata da incontri con esperti. Tra gli ospiti Alessandro Portelli, Bruno Cartosio, Giulia Bellentani, Marcello Lorrai e Chawki Senouci. In cartellone anche Forest of Bliss, Kanehsatake: 270 Years of Resistance e l'imperdibile Step Across The Border, documentario dedicato al troppo spesso dimenticato chitarrista e compositore inglese Fred Frith, di Nicolas Humbert e Werner Penzel (Germania/Svizzera 1990).

Nato nel 2024 quasi come una scommessa, lo Snark ha raddoppiato le presenze già alla seconda edizione. Segno che il documentario, quando torna sul grande schermo, sa ancora richiamare pubblico e accendere discussioni.

Il riff della resurrezione: Blackmore torna coi Deep Purple e Smoke on the Water diventa un miracolo - VIDEO

A Jones Beach è successo ciò che per tre decenni era sembrato impossibile: Ritchie Blackmore è tornato sul palco con i Deep Purple. Una sola canzone, naturalmente Smoke on the Water, per spazzare via dubbi, ironie social e sospetti di burla estiva. E dimostrare che certi dinosauri sanno ancora ruggire.

Dopo 33 anni di lontananza, Ritchie Blackmore ha suonato nuovamente con la sua band, abbandonando per un attimo pifferi e saghe medievali. Lo storico chitarrista è comparso sul palco coi compagni di allora, trasformando in realtà una reunion che molti avevano scambiato per un improbabile pesce… d’agosto.

Per una volta il Dio del Rock deve aver deciso di ascoltare le preghiere dei fedeli. E, già che c’era, di concedere pure il miracolo completo. Ritchie Blackmore, 81 anni e un curriculum sufficiente a riempire da solo un museo della musica, è tornato sul palco con i Deep Purple dopo 33 anni. Era dal 1993 che il chitarrista aveva chiuso la porta dietro di sé, lasciando una delle band più importanti della storia del rock con quella cordialità tipica delle separazioni fra vecchi compagni di gruppo: cioè pochissima.

Poi, a Jones Beach, nello Stato di New York, la porta si è improvvisamente riaperta.

Una canzone sola. Ma quale poteva essere?

Blackmore è comparso vestito di nero, quasi dovesse officiare una messa pagana, ha abbracciato Simon McBride, oggi titolare della chitarra nei Purple, ha incrociato Ian Gillan e infine ha fatto partire quelle quattro note che anche chi sostiene di non ascoltare rock riconosce dopo mezzo secondo: Smoke on the Water.

Non una canzone qualsiasi, praticamente l’alfabeto universale della chitarra elettrica: il riff che milioni di adolescenti hanno massacrato nelle camerette prima ancora di imparare ad accordare lo strumento.

L’annuncio era arrivato poche ore prima attraverso Blackmore stesso, durante una diretta Instagram con la moglie Candice Night. Aveva raccontato di aver chiamato Gillan “per i vecchi tempi”, proponendo una comparsata senza drammi e senza obblighi. Troppo semplice. Troppo bello. E infatti sui social qualcuno aveva immediatamente fiutato la fregatura, vissura parecchie volte con i Genesis e Peter Gabriel: vuoi vedere che è un pesce d’aprile arrivato con quattro mesi di ritardo? Un pesce… d’agosto?

Acciacchi, iniezioni e rock’n’roll

Il dettaglio che rende tutto ancora più sorprendente è che Blackmore non aveva nascosto i suoi problemi fisici: vertigini, artrite, gotta, quattro ernie discali. Prima del concerto aveva persino raccontato di essersi sottoposto a un’iniezione nella zona lombare e di avere preparato uno sgabello nel caso l’equilibrio lo tradisse.

Lo sgabello è rimasto inutilizzato.

Per pochi minuti non c’erano acciacchi, età o bollettini medici. C’erano Blackmore, Gillan, i Deep Purple e quel riff.

Poi tutto è finito. Una sola canzone, appena il tempo di ricordare a qualche pischello convinto che il rock sia nato su TikTok che i “dinosauri”, quando decidono di muoversi, fanno ancora tremare la terra.

Salvini canta De André, la nipote presenta il conto: Faber non è un karaoke per sovranisti

La polemica sul recente, consueto tributo live a Fabrizio De André riapre una questione ormai ricorrente: si può amare un artista ignorando tutto ciò che ha raccontato? Dori Ghezzi tiene vivo Faber con grande tenacia, la vedova Battisti ha scelto invece una custodia quasi sacrale. E mentre Salvini rivendica la sua passione, dalla famiglia De André arrivano parole che rendono il cortocircuito ancora più evidente.

Salvini e Dori Ghezzi a L'Agnata, dietro lo scrittore Gianrico Carofiglio osserva,
davanti a loro Giorgio Gori li ignora...

Ci sono vedove e vedove. Grazia Letizia Veronese ha protetto il suo Lucio con una cura quasi notarile: poche celebrazioni, poche concessioni, nessuna trasformazione del marito in bene comune da luna park. La Ghezzi, al contrario, ha scelto di far vivere Fabrizio De André: concerti, riletture, nuove generazioni, memoria continuamente rimessa in circolo.

Due strategie opposte. Entrambe legittime.

Il problema nasce quando dentro quella memoria entra la politica con le scarpe sporche.

Salvini e quel De André ascoltato a metà

Matteo Salvini sostiene da anni di amare Faber. Benissimo. L’arte non prevede tessere di partito all’ingresso. Ma il cortocircuito resta gigantesco: De André ha raccontato per una vita ultimi, migranti, prostitute, disertori, emarginati, anarchici e uomini perseguitati dal potere. Salvini, invece, ha costruito una parte importante della propria identità politica su temi che con quell’universo dialogano, diciamo così, con qualche difficoltà.

Cristiano De André lo aveva già liquidato magnificamente: Salvini, disse, con Il pescatore probabilmente si era fermato al “la la la”, senza assimilarne il significato.

E adesso pesano ancora di più le parole di Alice De André, nipote di Fabrizio. Spiegando che il nonno, uomo sempre dalla parte degli ultimi, davanti al presente sarebbe stato affranto soprattutto per il destino dei migranti e arrivava a immaginare che oggi avrebbe cantato le deportazioni degli immigrati. Non è una dichiarazione elettorale postuma, naturalmente. È però una lettura familiare assai coerente con un’opera costruita sull’attenzione verso chi viene respinto, escluso e giudicato.

Insomma: ascoltare De André è consentito a tutti. Usarlo come arredamento culturale mentre si pratica l’opposto di ciò che quelle canzoni raccontano è un altro sport, molto scorretto.

La grande Opa della destra sui cantautori

Ed è qui che il caso diventa più ampio. Perché da anni assistiamo a una specie di Opa della destra sul cantautorato italiano. De André, Battisti, Rino Gaetano, Lucio Dalla. Prima o poi toccherà pure a Guccini, magari ridotto a testimonial delle trattorie dell’Appennino purché qualcuno si dimentichi La locomotiva. Il fenomeno è stato raccontato più volte: artisti complessi vengono separati dal contesto, sterilizzati e trasformati in icone buone per qualsiasi comizio.

A questo punto manca soltanto la scena definitiva: Ignazio La Russa in prima fila a un tributo per Claudio Lolli, assorto durante Ho visto anche degli zingari felici.

E magari, alla fine, pure commosso. Quello sì che sarebbe il vero capolavoro del revisionismo musicale all'italiana.

Eugenio Finardi a Ballando con le Stelle: la musica ribelle è finita, adesso c’è il cha cha cha

Annunciati i primi concorrenti della nuova edizione di Ballando con le Stelle. Il consueto caravanserraglio televisivo è servito: ex calciatori, influencer, attori, figli d’arte, personaggi da rotocalco e celebrità di varia stagionatura. Poi, in mezzo alla compagnia, compare un nome che costringe a strofinarsi gli occhi: Eugenio Finardi.

Se ce lo avessero raccontato vent’anni fa avremmo cercato immediatamente la telecamera nascosta. Non per Ballando, ma per Scherzi a parte.

C’è Alessandro Matri: perfetto. Jimmy Ghione: inevitabile. Aurora Ramazzotti, Anna Safroncik, Riccardo Rossi, Noemi Bocchi, Alberto Ravagnani. Tutto regolare nel grande centro commerciale dello spettacolo italiano, dove prima o poi transitano tutti, purché abbiano un minimo di notorietà, due ginocchia ancora operative e qualche sabato sera libero.

Poi arriva lui. Eugenio Finardi.

Per Eugenio le palette della giuria

Finardi. Quello di Musica ribelle. Quello de La radio. Uno che per generazioni ha rappresentato, almeno nell’immaginario, l’esatto contrario della televisione cotonata, del sorriso da prima serata e della liturgia del “tesoretto”.

E invece eccolo lì, pronto presumibilmente a farsi giudicare un paso doble, un tango o un casqué. Mezzo secolo di carriera per arrivare al momento sublime in cui qualcuno potrebbe spiegargli che “manca un po’ di connessione con la partner”.

È la straordinaria capacità digestiva della televisione italiana: inghiotte tutto, metabolizza tutto e alla fine restituisce tutto con le paillettes. La ribellione, purché faccia share. Il rock, ma con le scarpe di vernice. La controcultura, purché finisca entro mezzanotte e venti per lasciare spazio al Tg1 della notte.

Manca solo che dopo Musica ribelle Finardi incida Musica ballabile.

Il grande villaggio turistico dello spettacolo

Naturalmente Finardi è liberissimo di fare ciò che vuole. E magari ballerà magnificamente. Il punto non è lui: è il paesaggio circostante. La televisione italiana sembra ormai un gigantesco resort all inclusive dove non esistono più carriere, identità o percorsi, ma soltanto personaggi disponibili. Cantanti, ex sacerdoti, compagne di calciatori, giornalisti, influencer, attori, figli di qualcuno, ex centravanti e reduci da altri reality vengono rovesciati nello stesso frullatore del sabato sera.

Prima avevamo la televisione generalista. Adesso abbiamo il riciclaggio generalista.

E così Eugenio Finardi, uno che cantava “la musica ribelle che ti vibra nelle ossa”, potrebbe ritrovarsi a vibrare davvero. Ma per tenere il tempo di una rumba.

Che amarezza. Con tanto di orchestra dal vivo. Mi viene qualche verso sparso  di Nuovo swing di Enrico Ruggeri:

Cambia il tempo attorno a te

e la musica vecchia dov'è

La canzone che vuoi tu

poco dopo non la riconosci più...

L'eredità economica di Francesco Guccini: essere di sinistra non significa fare voto di povertà

Francesco Guccini avrebbe lasciato alla moglie Raffaella Zuccari e alla figlia Teresa un patrimonio considerevole, stimato da alcune ricostruzioni tra 6 e 10 milioni di euro. Canzoni, libri, diritti d’autore, case, terreni, mezzo secolo abbondante di lavoro.

E già immaginiamo il brusio dei ragionieri dell’ideologia, quelli che davanti a una dichiarazione dei redditi riscoprono improvvisamente la lotta di classe: “Ma come? Guccini aveva i milioni? E non era comunista?”.

No. Anzi, la faccenda è ancora più divertente: Guccini comunista non si è mai definito. Era un uomo di sinistra, libertario, insofferente alle uniformi del pensiero, vicino più a certe suggestioni anarchiche e azioniste che alle liturgie di partito. Ma ormai da anni basta una barba, una chitarra e qualche canzone contro i potenti per trasformare chiunque in segretario onorario del PCI.

La sinistra in saio francescano, possibilmente senza conto corrente

Resta poi quell’idea meravigliosamente cretina secondo la quale un uomo di sinistra, per essere credibile, dovrebbe essere povero. Non benestante: proprio povero. Scarpe consumate, utilitaria scassata, termosifoni spenti e magari una cambiale sul comodino. Se guadagni bene, sei incoerente. Se hai una casa, sei borghese. Se ne hai due, probabilmente sei già passato dalla parte dei padroni.

Si tratta di una concezione infantile della politica, buona per le discussioni da bar alle undici di sera: come se battersi contro le disuguaglianze significasse desiderare la miseria universale.

La sinistra, almeno quella seria, non dovrebbe pretendere che nessuno diventi povero. Dovrebbe pretendere che nessuno sia condannato a esserlo.

I milioni? Arrivati una canzone alla volta

Guccini non ha vinto alla lotteria e non risulta abbia speculato su derivati alle Cayman. Ha scritto canzoni per sessant’anni. Ha venduto dischi, riempito teatri, pubblicato romanzi, lavorato nel cinema. Le sue opere continuano ancora oggi a generare diritti. Insomma, ha fatto una cosa ormai quasi rivoluzionaria: ha guadagnato con il proprio lavoro e con il proprio talento.

E allora sì, poteva cantare La locomotiva e possedere una casa. Poteva raccontare gli ultimi e avere un conto corrente robusto. Poteva detestare i potenti senza essere obbligato a vivere di pane e cipolle. Perché la coerenza non si misura dal saldo bancario. E forse sarebbe il caso di spiegarlo anche a certi custodi della purezza ideologica, possibilmente davanti a un bicchiere di vino. Sempre che non lo considerino troppo borghese.

Ciao Francesco

Il "Maestrone" modenese è morto a 86 anni nella sua Pavana, circondato dall’affetto della famiglia. Con lui scompare una delle voci più profonde e libere della cultura italiana.

Il mestiere dannato di raccontare un addio

Ci sono giorni in cui fare il giornalista pare essere davvero un mestiere dannato. Accade quando la cronaca ci obbliga a trasformare in parole la scomparsa di qualcuno che abbiamo amato, anche senza averlo mai conosciuto. Bisogna cercare il titolo, rispettare le battute, mettere ordine nei ricordi, mentre dentro ogni regola professionale sembra improvvisamente stonata. Scrivere di Guccini significa rovistare anche nella propria vita, ritrovare una canzone legata a un amore, a un viaggio, a un’amicizia o a un’età che non tornerà. E allora il giornalista dovrebbe mantenere la distanza, ma l’uomo non ci riesce. Forse non deve nemmeno provarci. Perché alcuni addii non si raccontano restando fuori dalla porta: si scrivono con gratitudine, pudore e quella commozione che, almeno per una volta, non è un cedimento del mestiere, ma la sua parte più vera.

Purtroppo la rete è piena di miserabili...

L’ultimo viaggio verso le sue radici

Francesco Guccini si è spento a Pavana, il luogo nel quale tutto sembrava cominciare e al quale aveva scelto di tornare. Aveva 86 anni. Accanto a lui la moglie Raffaella, la figlia Teresa e i familiari, che hanno chiesto discrezione e annunciato funerali strettamente privati. A settembre si terrà una cerimonia per consentire al suo pubblico di salutarlo.

È difficile pensare alla sua morte come a una semplice notizia. Guccini non è stato soltanto un cantautore, ma una voce interiore condivisa. Ha raccontato le partenze, le osterie, le amicizie perdute, gli ideali traditi e quella provincia che nelle sue parole diventava il centro esatto del mondo.

Canzoni che erano già letteratura

Nato a Modena nel 1940, cresciuto tra la città e l’Appennino, esordì negli anni Sessanta trasformando la canzone d’autore in uno spazio di pensiero. Auschwitz, Dio è morto, La locomotiva, Radici, Eskimo, Cirano: titoli che non appartengono più soltanto alla musica, ma alla memoria sentimentale e civile del Paese.

Guccini sapeva essere politico senza diventare propagandistico, colto senza perdere il gusto popolare del racconto, malinconico senza compiacersi della tristezza. La sua barba, la voce ruvida, le pause e le parole pronunciate come davanti a un bicchiere di vino erano diventate una forma di autenticità.

Il rapporto con Roma

Roma non fu per Guccini una patria dell’anima come Pavana, Modena o Bologna, ma rappresentò una tappa decisiva del suo percorso. Negli anni Settanta salì più volte sul palco del Folkstudio, il piccolo e leggendario locale nel quale la canzone d’autore poteva ancora nascere lontano dai riflettori, tra sedie ravvicinate, fumo, parole e bicchieri di vino. Nella Capitale i suoi brani trovarono poi una dimensione collettiva e politica: La locomotiva, Dio è morto e Auschwitz diventavano cori, dichiarazioni di appartenenza, modi diversi di opporsi all’indifferenza. Guccini non cantò Roma come cantò Bologna o l’Appennino, ma Roma seppe riconoscersi nella sua voce, soprattutto quella inquieta, popolare e militante, abituata a diffidare del potere e a scegliere ostinatamente da quale parte stare.

Un brano a caso, fra i tanti

Autogrill è uno dei piccoli capolavori narrativi di Francesco Guccini, pubblicato nel 1983 nell’album Guccini. A differenza di gran parte del suo repertorio, spesso legato a persone realmente conosciute, luoghi vissuti e frammenti autobiografici, qui la storia nasce interamente dall’invenzione: un incontro fugace in un autogrill, una ragazza dietro il banco, poche parole, uno scambio di sguardi e soprattutto ciò che avrebbe potuto essere e non sarà mai. Il testo possiede un andamento quasi cinematografico, fatto di dettagli, inquadrature, silenzi e piccoli movimenti che sembrano anticipare una scena di un film. E dentro questa apparente semplicità Guccini dissemina autentiche meraviglie linguistiche, comprese rime tanto improbabili quanto perfette, come quella fra “jukebox” e “Fox”, capaci di trasformare persino un dettaglio in poesia. Ma ciò che rende Autogrill irresistibile è soprattutto il suo sapore dolcemente malinconico: non il dolore per qualcosa che si è perduto, ma quello ancora più sottile per qualcosa che non è mai davvero cominciato. È la celebrazione malinconica di un’occasione mancata, del desiderio trattenuto e di quel rimpianto tutto umano che nasce quando, ripensando a un istante lontano, ci domandiamo come sarebbe andata se avessimo avuto il coraggio di restare qualche minuto in più. Quello che gli esterofili chiamano "sliding doors"...

«Bella d'una sua bellezza acerba», immagine che sembra semplicissima e che invece contiene un ritratto intero. Suggerisce giovinezza, qualcosa di non ancora compiuto, una bellezza inconsapevole e forse proprio per questo più potente. Ma poi arriva «bionda senza averne l’aria», ed è lì che Guccini fa il miracolo. Non descrive più soltanto un colore di capelli: descrive un modo di essere. Quella ragazza è bionda, ma non corrisponde all'immagine, al cliché, quasi non sembra sapere di esserlo. In sei parole diventa una persona. E soprattutto tu la vedi. È questo il carattere cinematografico di Autogrill: Guccini non ci dice quasi nulla della ragazza eppure, dopo quel verso, ognuno di noi potrebbe immaginarsela dietro il banco. È come un primo piano improvviso.

È una di quelle frasi che dimostrano quanto Guccini fosse capace di fare letteratura senza mettersi in cattedra da letterato. E in Autogrill ce ne sono parecchie: la canzone vive precisamente di questo, dettagli apparentemente minimi che, messi uno accanto all'altro, costruiscono il ricordo di qualcosa che non è mai accaduto. Il paradosso meraviglioso del brano è tutto lì: provare nostalgia per una storia mai vissuta.

Il silenzio dopo l’ultima canzone

Aveva abbandonato concerti e sale di registrazione nel 2012, senza però ritirarsi davvero. Continuava a scrivere, osservare e ricordare, lontano dai riflettori che non aveva mai inseguito. Ora restano i dischi, i libri e le frasi che tornano nei momenti decisivi della vita. Resta soprattutto il sentimento che Guccini ci abbia insegnato qualcosa di raro: guardare il passato senza nostalgia retorica e il futuro senza facili illusioni.

Non chiamatemi "poeta"

Non amava essere definito tale. Ma da oggi, nel silenzio lasciato dalla sua voce, sarà ancora più difficile pensare a lui in maniera differente. Basterà che partano le prime note di una sua canzone e ci ritroveremo ancora lanciati a bomba contro l’ingiustizia, contro l’ipocrisia, contro il potere che pretende obbedienza e silenzio. Noi che non ci riconosciamo nelle sciocche rime della trap, nelle canzonette mielose di implumi postar o nelle nenie estive costruite per durare il tempo di una classifica, sappiamo che una canzone può essere molto di più: può mordere, consolare, insegnare a dubitare. Guccini ci ha ricordato che la musica non deve soltanto accompagnare il tempo, ma anche giudicarlo. E finché una sua strofa riuscirà ancora a farci indignare, sorridere e pensare, quella locomotiva continuerà a correre.

Arrivederci, Maestrone

La voce si spezza, la canzone diventa più vera: il nuovo corso di alcuni grandi della musica

C’è un momento, nella carriera dei grandi musicisti, in cui la voce smette di essere soltanto voce e diventa tempo. Succede oggi - tra gli altri - a Roger Waters, Paul McCartney, Paul Simon. Succede quando le canzoni scritte da giovani tornano sulle labbra di uomini che hanno attraversato decenni di palchi, amori, separazioni, trionfi e sconfitte. La voce non sale più con la stessa facilità. Le tonalità vengono abbassate, gli acuti evitati, certe frasi quasi parlate. Eppure è proprio lì, in quella fragilità, che le canzoni acquistano una forza nuova.

Quando McCartney canta oggi Yesterday o Blackbird, non racconta più soltanto la nostalgia di un ragazzo. Dentro quelle parole c’è l’intera distanza che separa il giovane Beatle dall’uomo anziano che continua a salire sul palco. Ogni piccola incrinatura sembra aggiungere una riga al testo.

Lo stesso accade con Paul Simon. La sua voce, un tempo leggera e mobile, è diventata più sottile, raccolta, quasi confidenziale. Le canzoni non cercano più di conquistare il pubblico (anchè perchè certi capolavori non ne hanno bisogno): sembrano rivolgersi a ciascuno individualmente, come una confessione pronunciata a bassa voce.

Roger Waters segue una strada ancora diversa. Il canto si è fatto ruvido, teatrale, spesso vicino alla recitazione. Ma nei brani dei Pink Floyd quella voce consumata accentua il senso di disillusione e di perdita che era già presente nelle composizioni originali. L’età non indebolisce il messaggio: lo rende definitivo.

Il caso di The Wall rende ancora più evidente questa trasformazione. Quando Waters decise di riportare l’opera sul palco, non volle limitarsi a riproporre il tormento personale del protagonista. Rilesse quel muro come un’allegoria politica: non soltanto la barriera costruita da un individuo per difendersi dal dolore, ma anche quella eretta dalle nazioni attraverso la paura e il controllo. Per Waters è proprio questa possibilità di cambiare prospettiva a mantenere vivo l’album del 1979. Affidate oggi a una voce più stanca e corrosa, quelle canzoni non sembrano reperti del passato: hanno perso qualcosa in potenza, ma acquistato il peso di una profezia che continua a ripetersi.

Un concerto immaginario al quale molti di noi vorrebbero assistere...

Anche Tom Waits ed Elvis Costello mostrano come una voce imperfetta possa contenere più verità di una voce intatta. Waits ha trasformato la corrosione in linguaggio. Costello ha rinunciato da tempo all’urgenza giovanile per una lettura più consapevole delle proprie canzoni, mantenendo però il suo spirito giocoso e sottilmente sfrontato.

La musica pop ci ha abituati al mito della perfezione, della giovinezza conservata e della replica fedele. Ma questi artisti dimostrano l’opposto. Una canzone non deve restare identica per sopravvivere. Può rallentare, abbassarsi, perdere brillantezza e guadagnare profondità. Le vecchie interpretazioni non cancellano quelle originali. Le completano. Da giovani, questi musicisti cantavano ciò che immaginavano della vita. Oggi cantano ciò che della vita hanno imparato.

Boy George canta sulle macerie di Gaza: il vergognoso reggae dell’assoluzione israeliana

«Voi dite genocidio, io dico guerra». È sufficiente questo verso per comprendere la miseria morale di We Will Dance Again, il nuovo brano pubblicato da Boy George. Una canzone che non interpreta la realtà, non la interroga e non prova neppure a comprenderla: la cancella. Il leader dei Culture Club ha scelto un reggae leggero, quasi vacanziero, per accompagnare la negazione della tragedia di Gaza. Una colonna sonora allegra stesa sopra le macerie.

Boy George rivendica il diritto di Israele a difendersi e ricorda l’orrore del 7 ottobre: il massacro del Nova Festival, gli ostaggi, gli stupri, i civili assassinati da Hamas. Tutto vero. Tutto atroce. Tutto indimenticabile. Ma proprio l’enormità di quei crimini dovrebbe impedire di usare le vittime come scudo retorico per giustificare ogni violenza successiva.

La memoria non può funzionare come un interruttore: accesa per gli uni e spenta per gli altri. Non si possono ricordare i ragazzi uccisi al festival e ignorare i bambini palestinesi estratti morti dalle macerie. Non si possono piangere gli ostaggi e voltarsi dall’altra parte davanti agli ospedali distrutti, alla fame, alle famiglie cancellate e a una popolazione costretta a fuggire senza avere più un luogo nel quale rifugiarsi.

Le accuse formulate da Amnesty International e da organismi delle Nazioni Unite non sono slogan da corteo né provocazioni diffuse sui social. Sono rapporti, testimonianze e ricostruzioni che Boy George decide di liquidare con una rima. Non argomenta, non dubita, non approfondisce. Canta. E mentre canta definisce “pecore” gli artisti che espongono la bandiera palestinese. Il conformismo, evidentemente, per lui è sempre quello degli altri.

Quando Boy George ci provò con me a Rock FM

Questa deriva mi colpisce anche per un ricordo personale. Negli anni Novanta, quando lavoravo come autore e conduttore a Radio Rock FM, Boy George venne in radio per promuovere un suo lavoro. Durante l’incontro ci provò con me in maniera insistente e inequivocabile, arrivando a invitarmi a cena.

Non ricambiai, ma l’episodio mi divertì. Conservai il ricordo di un artista brillante, spregiudicato, ironico, capace di sfidare le convenzioni e di non prendersi troppo sul serio. Era decisamente più simpatico. Soprattutto, sembrava appartenere a quella categoria di artisti che stanno dalla parte di chi viene emarginato, perseguitato o schiacciato dal potere.

Oggi ritrovo invece un predicatore con il turbante, impegnato a impartire lezioni morali mentre trasforma un’immensa tragedia umanitaria in una filastrocca ideologica. Non è il suo sostegno a Israele a risultare scandaloso. Non lo è neppure la sua vicinanza agli amici ebrei, che nessuno gli chiede di rinnegare. Lo scandalo è fingere che difendere gli ebrei significhi necessariamente negare la sofferenza dei palestinesi.

Israele completamente assolto

È ripugnante usare il massacro del 7 ottobre come un lasciapassare morale, come una licenza permanente a non vedere, a non ascoltare e a non pronunciare il nome delle vittime successive. È intollerabile pretendere che la solidarietà verso Israele comporti l’assoluzione automatica di qualsiasi scelta del suo governo e del suo esercito.

Nel 2009 George O’Dowd (questo il vero nome di Boy George) fu condannato a quindici mesi di carcere per aver sequestrato un escort norvegese. Quel precedente non serve a valutare la qualità di una canzone e non dovrebbe essere usato come una clava personale. Ma una lezione avrebbe potuto lasciargliela: cambiare il nome alla violenza non modifica ciò che è accaduto.

La violenza resta violenza. Un corpo resta un corpo. Un bambino morto non diventa meno morto perché qualcuno, sopra un ritmo reggae, decide di chiamare tutto semplicemente “guerra”.

Víctor Jara, la giustizia arriva dopo mezzo secolo: arrestato l’ultimo militare condannato

La giustizia cilena ha impiegato più di cinquant’anni, ma alla fine ha raggiunto anche l’ultimo dei militari condannati per uno dei delitti più feroci e simbolici della dittatura di Augusto Pinochet. Nelson Haase Mazzei, capitano dell’esercito in pensione, è stato rintracciato e arrestato in un’abitazione rurale nel sud del Cile, dove si nascondeva dopo essersi sottratto all’esecuzione della pena.

L’ex ufficiale, latitante, era stato condannato nell’agosto del 2023 a 25 anni di carcere per il sequestro, le torture e l’uccisione del cantautore Víctor Jara e dell’avvocato Littré Quiroga, che all’epoca dirigeva l’amministrazione penitenziaria. Dopo la cattura, la giudice della Corte d’appello di Santiago Paola Plaza ne ha disposto l’immediato trasferimento in prigione.

Il golpe e l’arresto nello stadio

Jara venne fermato il 12 settembre 1973 all’interno dell’Università tecnica statale, appena ventiquattro ore dopo il colpo di Stato con cui i militari rovesciarono il governo socialista di Salvador Allende. Insieme a centinaia di oppositori fu condotto nello Stadio del Cile, trasformato in quei giorni in un enorme centro di detenzione, interrogatorio e tortura.

Cantautore, poeta e regista teatrale, Jara rappresentava tutto ciò che la nuova dittatura voleva cancellare: l’impegno politico, la cultura popolare, la speranza di una trasformazione sociale. I militari si accanirono contro di lui per diversi giorni. Testimonianze e atti giudiziari hanno ricostruito percosse, torture e umiliazioni, prima dell’esecuzione.

Personalmente l'ho conosciuto attraverso un disco del jazzista napoletano Daniele Sepe del 2001, Conosci Victor Jara?, che contiene una splendida cover del brano Te recuerdo Amanda, che fa il paio con un'altrettanto emozionante versione del medesimo brano ad opera del gigantesco Robert Wyatt.

Quarantaquattro colpi per spegnere una voce

Il corpo del musicista fu ritrovato il 16 settembre alla periferia di Santiago, abbandonato insieme ad altri cadaveri. Era stato raggiunto da 44 proiettili. Accanto a lui c’era anche Quiroga, colpito 23 volte.

Quello che doveva essere un delitto destinato a scomparire nel silenzio si trasformò invece in un simbolo mondiale. Lo stadio in cui Jara fu torturato oggi porta il suo nome, mentre le sue canzoni hanno continuato a viaggiare ben oltre le frontiere del Cile.

Con questo arresto si chiude la lunga fuga dell’ultimo condannato per l’omicidio di Víctor Jara. Non si chiude, invece, la memoria di un crimine che resta una delle ferite più profonde lasciate dalla dittatura cilena.

Bruce predica, Mick fa ballare. E se il vero spirito del rock fosse ancora quello di Jagger?

Il rock deve cambiare il mondo oppure limitarsi a farne dimenticare le storture per un istante? È una domanda che attraversa settant'anni di storia della musica e che oggi torna d'attualità osservando due monumenti viventi come Bruce Springsteen e Mick Jagger.

Da una parte c'è il Boss, sempre più convinto che il palco sia anche una tribuna civile. Dall'altra il leader dei Rolling Stones, che continua a difendere un'idea quasi antica del concerto: la gente paga un biglietto per emozionarsi, cantare, ballare e uscire dallo stadio più leggera di quando è entrata. Non per assistere a una lezione di politica.

È una posizione che farà storcere il naso a molti, ma che affonda le proprie radici nella storia del rock. Elvis Presley, il Re per definizione, non ha mai sentito il bisogno di trasformare i suoi concerti in manifesti ideologici. Proveniva da una famiglia poverissima del Mississippi, aveva un bagaglio culturale limitato e non aspirava a fare il commentatore della società americana. Cantava, scuoteva il bacino e cambiava la musica. Punto. L'unica vera eccezione fu In the Ghetto, potente racconto della povertà urbana scritto però da Mac Davis, come del resto quasi tutto il repertorio di Presley, che era soprattutto un interprete straordinario. Quella canzone resta un caso isolato in una carriera costruita sull'intrattenimento, non sulla militanza.

 

Bruce Springsteen appartiene a un'altra categoria. È autore delle proprie canzoni e da cinquant'anni racconta operai, disoccupati, reduci, periferie e sogni infranti. L'impegno sociale non è un accessorio della sua immagine: è il cuore della sua poetica. Negli ultimi anni, però, la sensazione è che il confine tra concerto e comizio sia diventato sempre più sottile. Il rischio non è quello di avere idee politiche — ogni artista ha il diritto di esprimerle — ma di trasformare il pubblico in una platea da convincere invece che da emozionare.

E qui arriva il paradosso. Oggi Springsteen viene spesso celebrato come il custode del "vero" spirito del rock proprio perché prende posizione. Ma siamo sicuri che il rock sia nato per impartire lezioni? Chuck Berry, Little Richard, Jerry Lee Lewis, i primi Beatles, gli Stones degli anni Sessanta: volevano soprattutto rompere le regole, scandalizzare gli adulti e far divertire milioni di ragazzi. La rivoluzione stava nel volume degli amplificatori, non nei discorsi tra una canzone e l'altra.

Perfino Jagger, che rivendica il diritto del rock a restare spettacolo, non è immune alle contraddizioni del presente. I Rolling Stones sono approdati su Roblox per conquistare la Generazione Z, trasformando il lancio del nuovo album in un'esperienza digitale fatta di avatar e videogiochi. Difficile sostenere che il business non faccia parte dell'equazione.

Forse è proprio questo il punto. Il rock non è mai stato puro. Ha rappresentato arte e mercato, ribellione e marketing, poesia e merchandising. C'è chi sceglie di fare dell'impegno civile la propria bandiera e chi preferisce regalare due ore di evasione. Entrambe sono scelte legittime. Purché nessuno pretenda di stabilire quale sia moralmente superiore. Perché il rock, prima di insegnare qualcosa, dovrebbe ricordarsi di una semplice verità: è nato per fare rumore. E il rumore, per fortuna, non ha mai avuto bisogno del permesso della politica.

Anche gli Stones sbarcano su Roblox: così Mick Jagger porta il rock nel regno di avatar e gamer

I Rolling Stones sbarcano su Roblox: così Mick Jagger porta il rock nel regno di avatar e gamer

Per l'uscita del nuovo album Foreign Tongues la storica band britannica punta su Roblox con un'esperienza interattiva tra missioni, concerti virtuali e contenuti esclusivi. Una mossa che avvicina il rock ai giovanissimi senza rinunciare alla propria identità.

Il nuovo palco dei Rolling Stones è un videogioco

Dimenticate gli stadi gremiti, i maxi schermi e le folle oceaniche. Questa volta i Rolling Stones hanno scelto un palcoscenico decisamente insolito: Roblox. La band di Mick Jagger accompagna il debutto del nuovo album Foreign Tongues con un progetto digitale pensato per parlare a una generazione che spesso conosce più gli avatar che i vinili. È una scelta che avrebbe fatto sorridere anche il più visionario dei rocker, eppure rappresenta l'ennesima dimostrazione della capacità degli Stones di restare sempre al passo con i tempi.

All'interno di The Block, l'area della piattaforma dedicata agli eventi musicali, i giocatori vengono coinvolti in un percorso che ripercorre oltre sei decenni di carriera del gruppo. Ogni missione consente di sbloccare nuovi contenuti ispirati ai grandi successi della band, mentre speciali cristalli disseminati nell'ambientazione custodiscono musica, ricordi e riferimenti alla lunga storia degli Stones.

Missioni, oggetti esclusivi e un concerto nel metaverso

L'esperienza non si limita al gioco. Gli utenti possono personalizzare il proprio avatar con accessori dedicati, ottenere oggetti da collezione e acquistare merchandising esclusivo collegato al nuovo disco. Il momento più atteso arriverà tra il 17 e il 19 luglio, quando l'universo virtuale ospiterà una serie di eventi culminanti in uno spettacolo interattivo costruito con il coinvolgimento della community.

È una strategia ormai sempre più diffusa nell'industria musicale, dove il lancio di un album non passa più soltanto dalle radio o dalle piattaforme di streaming, ma diventa un'esperienza da vivere, condividere e perfino giocare.

Dai jukebox agli avatar, gli Stones non smettono di reinventarsi

Naturalmente non tutti applaudiranno questa scelta. Per i nostalgici del rock vedere Mick Jagger e Keith Richards entrare nel mondo dei videogiochi potrebbe sembrare un piccolo sacrilegio. Ma gli Stones hanno costruito la loro leggenda proprio evitando di restare prigionieri del passato.

Prima conquistarono i jukebox, poi la televisione musicale, quindi Internet e lo streaming. Oggi il viaggio continua nel metaverso. Cambiano gli strumenti, cambiano le piattaforme, ma l'obiettivo resta identico: trovare nuove orecchie da conquistare. E se il rock vuole continuare a vivere, forse deve imparare anche a parlare la lingua degli avatar.